La vida de Brian tercer largometraje del grupo de comedia inglés Monty Python, Life Of Brian (La vida de Brian, 1979) trata la historia de un niño que nace el mismo día que Jesucristo, el Mesías, y es varias veces confundido con él. La película es, junto con Los caballeros de la mesa cuadrada la más exitosa de Monty Python.
Fue dirigida por Terry Jones y escrita por los Monty Python: Terry Jones, Terry Gilliam, Eric Idle, John Cleese, Michael Palin y Graham Chapman. Asimismo, es un dato que raramente es mencionado el haber sido financiada por George Harrison, el mítico componente de Beatles.
Ágora es el título de una película española dirigida por Alejandro Amenábar. Es la quinta película de Amenabar y la segunda rodada íntegramente en inglés después de Los otros, es un drama histórico que se desarrolla en la ciudad de Alejandría, Egipto, a partir del año 391 d. C. La protagonista, interpretada por Rachel Weisz, es la matemática, filósofa y astrónoma Hipatia de Alejandría -- que fue asesinada, descuartizada e incinerada por los seguidores del obispo y Santo cristiano copto Cirilo de Alejandría en el año 415 d. C.
Alejandro Amenabar, Rachel Weisz y Oscar Isaac en Cannes
Debo admitir que estoy sorprendida... Acabo de ver esta película y es por eso que no dudé un instante en hacer un post sobre ella. Hacía ya tiempo que no veía un buen film, y mucho más que no encontraba una buena historia en el cine argentino. Hoy me tengo que sacar el sombrero, en particular, ante el actor Guillermo Francella, persona de la que jamás pensé me haría disfrutar de una película... De por sí es un guión excelente -por algunos momentos parece un cuento más de Roberto Arlt y por otros, parte de un relato de Soriano-, con una trama atrapante y los actores no podían hacer menos que estar a la altura de una historia como ésta.
Fue precisamente el hecho de que Francella actuara en esta película lo que hizo que la postergara cada vez que tenía la oportunidad o el tiempo para verla, pero increíblemente me cerró la boca actuando de manera seria, en un papel entre naif e inteligente, siempre fiel a su jefe y mejor amigo Benjamín, (R. Darín) en un personaje que sólo a él podría haberle calzado de manera tan perfecta...
Soledad Villamil, siempre bella y femenina -y no por eso endeble- viste al personaje que siempre apuntala a Benjamín, caracter principal de la historia, que está basada en la novela de Eduardo Sacheri, "La pregunta de sus ojos", quien entre otras cosas comentó: "Mis personajes se complejizaron con la mirada de Campanella"
... No hablo más, no soy experta y no me considero objetiva en este momento. Que hablen las críticas y la película por sí misma, que cada uno opine...
Trailer
Ficha Técnica
Título: El secreto de sus ojos Año: 2009 Duración: 126 minutos País: Argentina / España Director: Juan José Campanella Reparto: Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella, Pablo Rago, Javier Godino, José Luis Gioia, Mario Alarcón, Mariano Argento, Ricardo Cerone, David Di Nápoli Guión: Juan José Campanella y Eduardo Sacheri Música: Federico Jusid y Emilio Kauderer Fotografía: Félix Monti Producción: 100 Bares / Tornasol Films / Haddock Films / Telefe / TVE
Festivales que participa:
- 57º Festival Internacional de Cine de San Sebastián (2009)
- Special Presentations, Festival Internacional de Cine de Toronto (2009)
Sinopsis
El secreto de sus ojos está basada en la primera novela del escritor argentino Eduardo Sacheri La pregunta de sus ojos, publicada por Editorial Alfaguara en el año 2009. El escritor colaboró también en la escritura del guión cinematográfico.
Benjamín Esposito acaba de jubilarse después de trabajar toda una vida como empleado en un Juzgado Penal. Para ocupar su tiempo libre decide escribir una novela, basada en una historia real de la que ha sido testigo y protagonista.
La novela que escribe es, en apariencia, la historia de un asesinato ocurrido en Buenos Aires en 1974, y de la investigación para hallar al culpable. Pero una vez abierta la puerta de ese pasado al propio Esposito se le volverá imposible cerrarla. Primero, porque la turbulenta Argentina de entonces se cuela en la vida de los personajes, con su carga de violencia y de muerte. Y, sobre todo porque aunque Chaparro suponga que la historia que teje habla únicamente del pasado, su búsqueda ilumina de un modo descarnado su propia vida y su presente, y lo pone de frente con un dilema de amor que lo obsesiona desde hace demasiado tiempo.
"Juan José Campanella se aparta de los prototipos urbanos, de las historias cálidas y simples de sus anteriores películas, pero mantiene el deseo de reflejar una galería humana que trata de resolver sus problematizadas existencias, vistas a través de diversos ángulos en los que el misterio cump Leer más le un rol de significativa importancia.
El eje central de este thriller es Benjamín Espósito, un solitario sesentón que acaba de jubilarse como empleado jerárquico en un juzgado. Está cansado de darle vueltas, en silencio, a un amor sin esperanzas y se hartó de evocar un crimen que afectó su vida y la de sus seres más próximos y queridos. Por eso, cansado de su cansancio, decide escribir, contar, levantar la pesada piedra de silencio con que ha ocultado, durante más de veinte años, todo aquello. Pero, y de esto se va percatando Espósito cuando termina un borrador, no se puede volver al pasado sin que cobre vida y no se puede librar de la fría presencia de los fantasmas una vez convocados.
A medida que ese hombre memora aquel 1974 en que debió intervenir en el caso de una mujer asesinada, su memoria recae tanto en Irene, compañera en el juzgado y amor imposible, como en Sandoval, su buen amigo y mano derecha en el trabajo, por momentos lúcido como pocos, de golpe acorralado por su adicción al alcohol. Los tres se internan en el esclarecimiento de aquel despiadado crimen. Todos, de una u otra forma, se verán involucrados en el tenso clima político en el que ocurre el episodio.
Sobre la base de un impecable guión que Campanella elaboró con Eduardo Sacheri, autor de la novela original, el film retrata con enorme calidez y no menos talento dramático un juego de secretos, de mentiras y de verdades.
Campanella no necesita recurrir a inútiles golpes bajos y logra el clima casi mágico requerido para que ésta, su nueva producción, no resulte un simple melodrama. Sabe, sin duda, ubicar su cámara en el ángulo exacto y en el momento justo. Escenas como las del partido de fútbol o las finales, con un indudable tinte del mejor cine negro, son algunas de las muestras de su talento, apoyado a su vez en los excelentes trabajos de Darín, Villamil y Francella.
El secreto de sus ojos es un film que, sin duda, dará mucho y bueno de que hablar, una obra que, en suma, enorgullece al cine nacional."
Joaquín Malats (Barcelona, 1872- id., 1912) Pianista y compositor español. Se formó en Barcelona y en París. Realizó numerosas giras por Europa y América. Es autor de una suite sinfónica (Impresiones de España) y de numerosas composiciones para piano. Fue uno de los primeros en interpretar Iberia de Albeniz, quien manifestó en una carta fechada en 1907 haber compuesto esta obra esencialmente para Malats. Un admirado virtuoso en Europa y America, Malats compuso gran cantidad de musica de salón, de la que la Serenata española es la mas popular.
Esta película de 1972, conocida en español como Aguirre, la ira de Dios (en alemán "Der Zorn Gottes"), del cineasta alemán Werner Herzog, y protagonizada por el actor de la misma nacionalidad Klaus Kinski es considerada como una de las joyas del cine alemán.
El film narra el viaje del conquistador español Lope de Aguirre por la cuenca del río Amazonas en busca de la ciudad de oro de los incas conocida como El Dorado.
La historia está basada en la figura histórica de Aguirre y en documentos de la época, correspondientes al personaje o no -como el diario de Gaspar de Carvajal,fraile dominico que a quien acompaña realmente es a Francisco de Orellana- elementos con que Herzog y Kinski reconstruyen la época de la llegada de los europeos a América.
La música original, toda ejecutada con mellotron y guitarra eléctrica corresponde a la agrupación de rock progresivo Popol Vuh.
Waking life (2001)
Waking Life es un film animado mediante la técnica de rotoscopia, dirigido por Richard Linklater hecho en el año 2001. La película fue filmada completamente en video digital para luego ser editada por un grupo de artistas mediante el uso de computadoras. La técnica, llamada "Rotoscopping" permitió dibujar lineas estilizadas y colores a cada fotograma y es similar al estilo de rotoscopía usada por Ralph Bakshi en la década de 1970.
El título "Waking life" hace referencia a la máxima de Jorge Santayana:"sanity is a madness put to good uses; waking life is a dream controlled." Ésta se traduciría al español como: "la cordura es una locura que se usa para bien; la vida despierta es un sueño controlado".
Waking Life trata sobre un joven en un permanente estado de sueño lúcido. El film sigue al protagonista mientras inicialmente observa y luego participa en discusiones filosóficas que entrelazan temas como realidad y apariencia, libre albedrío, nuestras relaciones con otros, y el significado de la vida. Durante su curso, el film toca otros temas, que incluyen: existencialismo, situaciones políticas, posthumanidad y la teoría cinematográfica de André Bazin.
Alice (1988)
Alice (en checo: Něco z Alenky) es un film checo de fantasia surrealista de 1988 del director y maestro del cuadro por cuadro (stop motion) Jan Švankmajer. Es una version de Alicia en el pais de las maravillas de Lewis Carroll' en el estilo unico de Švankmajer, combinando actores con animacion en stop motion. Alice es interpretada por Kristýna Kohoutová. La película es considerada un clasico de culto.
Irreversible (2002)
Irreversible (Irréversible, en francés) es una película francesa del año 2002, dirigida por el argentino Gaspar Noé y protagonizada por Monica Bellucci, Vincent Cassel y Albert Dupontel. Es una película contada en orden cronológico inverso, que causó polémica por lo explícito de una escena de asesinato y otra de una violación.
La película narra al inicio la búsqueda emprendida por dos hombres, Marcus (Vincent Cassel) y Pierre (Albert Dupontel), quienes desean vengar la violación de Alex (Monica Bellucci), novia de Marcus y ex novia de Pierre. La historia transcurre en París, en el lapso de un día, y consta de trece secciones de diferente duración. Las primeras escenas se caracterizan por mostrar muchas imágenes en rápida sucesión y movimientos caóticos de cámara, pero luego van haciéndose cada vez más pausadas.
El laberinto del fauno (2006)
El laberinto del fauno es una producción hispano-mexicana. Con guión y dirección del mexicano Guillermo del Toro, que se inspiró en Sleepy Hollow o los cuentos de Los Hermanos Grimm para escribirla, y dirigirla. Es la película rodada en castellano más taquillera de la historia.Es la segunda parte de la trilogía informal de películas fantásticas ambientadas en la guerra civil y posguerra española de Guillermo del Toro. La primera fue El espinazo del diablo (2001) centrada en un orfanato acosado por un fantasma en los últimos días de la guerra civil.
La narración transcurre en una zona no identificada del noroeste de España el año 1944, cinco años tras el fin de la Guerra Civil Española. Cuenta el apasionante viaje de Ofelia (Ivana Baquero), una niña de 10 años muy aficionada a los libros de fantasía quien, junto a su madre, Carmen (Ariadna Gil), en un delicado estado de salud debido a su avanzado estado de gestación, se traslada hasta un pequeño pueblo en el que se encuentra destacado Vidal (Sergi López), un cruel capitán de la Guardia Civil franquista, nuevo marido de Carmen (ya que el padre de Ofelia había muerto al inicio de la guerra), individuo por quien Ofelia no siente ningún afecto.
Oscar Emilio Tirao, más conocido como Cacho Tirao fue un guitarrista y compositor de música folclórica argentina.
Nacido el 5 de abril de 1941 en Berazategui, Provincia de Buenos Aires, aprendió a tocar la guitarra a los cuatro años de edad y al año siguiente fue premiado en su primera presentación radial.
Cacho con su padre.
Integró el célebre Quinteto de Ástor Piazzolla de 1968 a 1971. Trabajó con Osvaldo Tarantino, Dino Saluzzi y Rodolfo Mederos y acompañó a Josephine Baker.
Se destacó como solista virtuoso, componiendo e interpretando tango, milonga, zamba, chacarera y otros diversos géneros musicales. Entre sus particulares composiciones se destacan "La Milonga de Don Taco" que compuso en memoria de su padre, "La Milonga del Nino deseado" dedicada a su nieto y la excelente bossa nova titulada "Sonveri", grabada para CBS en 1980 en el álbum "Selección Especial de Cacho Tirao".
Grabó 36 discos, el primero como solista en 1971 "Mi guitarra, tú y yo"; y el último en 2006, "Renacer", tras recuperarse de una hemiplejía sufrida a raíz de un accidente cerebrovascular.
Su obra más célebre es el concierto para guitarra y orquesta sinfónica "Conciertango Buenos Aires", estrenado en Bélgica en 1985.
Alcanzó altos niveles de popularidad en la década de 1970, cuando conducía el ciclo Televisivo "Recitales Espectaculares", al punto que una de sus grabaciones en 1978 vendió más de un millón de placas.
01. Cacho Tirao - Recuerdos de la alhambra (3:19) 02. Cacho Tirao - Hava naguila (3:13) 03. Cacho Tirao - Momento musical en Fa menor, Op. 94 Nº 3 (3:02) 04. Cacho Tirao - Romance (Juegos prohibidos) (2:30) 05. Cacho Tirao - Buenos Aires hora cero (3:34) 06. Cacho Tirao - Danza de 'Zorba, el Griego' (4:33) 07. Cacho Tirao - Balada para un loco (3:29) 08. Cacho Tirao - Bouree (De la sonata Nº 2 en La menor para violín solo, BWV 1003) (3:12) 09. Cacho Tirao - Adios nonino (4:50) 10. Cacho Tirao - Tres monedas en la fuente (3:30) 11. Cacho Tirao - Chiquilín de bachín (3:10) 12. Cacho Tirao - Vals Nº 10 en Si menor, Op. 69 Nº 2 (3:30) 13. Cacho Tirao - Delicado (2:36) 14. Cacho Tirao - Bajo el cielo de París (4:12) 15. Cacho Tirao - La telesita / La vieja (2:02)
CD 2
01. Cacho Tirao - Adagio del concierto de Aranjuez (2:47) 02. Cacho Tirao - Estudio en Mi mayor, Op. 10 Nº 3 (3:29) 03. Cacho Tirao - Danza Paraguaya (2:29) 04. Cacho Tirao - La cumparsita (3:00) 05. Cacho Tirao - Pájaro campana (2:43) 06. Cacho Tirao - Berimbau (3:21) 07. Cacho Tirao - Jota aragonesa (5:02) 08. Cacho Tirao - Ave María (4:21) 09. Cacho Tirao - Caminito (2:47) 10. Cacho Tirao - Verano porteño (5:08) 11. Cacho Tirao - Paja brava (3:02) 12. Cacho Tirao - Si yo fuera rico (3:27) 13. Cacho Tirao - Danza de Anitra (de Peer Gynt) (3:34) 14. Cacho Tirao - Nunca en domingo (3:30) 15. Cacho Tirao - Taquito militar (2:34)
Esta grabación, ahora digitalizada, fue durante mucho tiempo una buscada rareza ya que las dos ediciones que se hicieron en su día en vinilo desaparecieron muy pronto del mercado.
Borges grabó esos poemas fundamentales dentro de su particularísima obra poética -entre los que está El Golem, pero también Límites, El general Quiroga va en coche al muere o el Poema Conjetural y un par de milongas- cuando ya estaba totalmente ciego. El poeta y librero Héctor Yánover, que fue el productor del disco, me contó las dificultades que tuvo en su día la grabación. No me extrañaría que una golosina como ésa se agote pronto dada la inevitable democratización que se ha producido en torno a la obra de Jorge Luis Borges
BORGES TOTAL
La presencia de Borges en el canon de la literatura universal causa de inmediato tres efectos benéficos: primero, permite integrar el pasado de la literatura, incluso el más remoto, en los desarrollos más avanzados de la misma; segundo, impone el rigor de la inteligencia en la práctica de un arte como el narrativo que todavía muchos consideran intuitivo o espontáneo; y, tercero, destierra cualquier concepción estrechamente nacional o local de lo literario en favor de una literatura mundial concebida, según Gérard Genette, como el diálogo simultáneo de todas las obras de la historia en todas las lenguas posibles o imaginables (“La biblioteca de Babel”). No es irrelevante, en este sentido, que su primera lectura del “Quijote” fuera en una traducción inglesa, o que la broma más corrosiva gastada al “Quijote” celebrado como monumento literario nacional provenga de su relato “Pierre Menard, autor del Quijote”, donde un poeta simbolista francés se decide a reescribir literalmente la novela de Cervantes.
Borges era un gran bromista erudito, un escritor de inmensa cultura a quien gustaba burlarse de las culturas humanas confrontando sus imágenes codificadas en el ambiguo espejo de la literatura. En muchos de sus cuentos Borges caricaturiza las señas de identidad de la cultura occidental, pero también socava los fundamentos de cualquier otra superstición religiosa, cultural o estética: tanto la cábala judía, el hermetismo platónico, el cristianismo o el ocultismo nórdico como el experimentalismo literario, las vanguardias, el nacionalismo o la estética modernista son objeto de su irónica irreverencia. Borges representa mejor que nadie en las letras hispánicas (donde esa figura resulta rara) el saludable modelo del iconoclasta ilustrado.
La cuestión esencial no está, por tanto, en que Borges creyera o no que la teología era una tediosa desviación de la literatura fantástica, la filosofía un subgénero literario más, y la ficción un modo filosófico figurado; la cuestión fundamental planteada por Borges a todas las culturas consiste en el desvelamiento de su vulnerable origen (la mente humana, fuente de todos los errores, engaños y espejismos) y su función paradójica (la huida del mundo, el imposible acceso a lo real). Lo radicalmente borgiano, en consecuencia, no radicaría en los motivos un tanto tópicos que suelen alegar los discípulos más epidérmicos, sino en la ambiciosa reflexión que permite formular sobre el papel, los mecanismos y maquinaciones de la ficción en la cultura, la historia y la vida humanas. La función trascendental de las ficciones y artificios de Borges se funda, pues, en el reconocimiento de la condición retórica de cualquier relato, el poder de resaltar su carácter de ficción del lenguaje enraizada en la consustancial ficción del lenguaje que constituyen todos los sistemas simbólicos humanos.
En este combate crítico contra la cultura entendida como garante de los valores convencionales que sustentan el orden establecido, como supo ver Pierre Klossowski, la literatura de Borges se alinearía paradójicamente con el designio intempestivo del pensamiento de Nietzsche. En este sentido, la dimensión de simulacro y los juegos apócrifos de sus principales relatos suponen el recurso más eficaz empleado por Borges para desmantelar las categorías racionales con que los diversos poderes en ejercicio tratan de anular el poder subversivo de la literatura. En manos de Borges la literatura de ficción se transfigura no sólo en metaliteratura o metaficción, sino en el metalenguaje de todos los discursos, el código maestro que descifra y desarma los otros códigos. Y, por tanto, en el juego más serio al que pueda entregarse la inteligencia humana.
Sin embargo, desde un punto de vista filosófico, los relatos de Borges no aportan nada que un buen lector no pueda encontrar en Leibniz, Schopenhauer, Platón, Plotino, los presocráticos o algunos gnósticos. Como en todo escritor creativo, las influencias, apropiaciones o préstamos, procedan de donde procedan, son en Borges mucho menos relevantes que su perfecta incorporación a un mecanismo narrativo que revela la impostura intelectual encubierta tras su paciente elaboración y su desolador contraste con el devenir y la vida, por no hablar de su perversa intersección mutua. En cualquier caso, los dispositivos y procedimientos ficcionales de Borges, a pesar del conservadurismo aparente de algunos de los postulados orales de su autor, serán siempre el mejor sustento para las aventuras más excéntricas y singulares del espíritu, el pensamiento o la creación. Una inteligente lección de heterodoxia.
Publicado por JUAN FRANCISCO FERRÉ. Escritor y crítico literario. Es Doctor en Filología Hispánica y Profesor-Investigador de la Universidad de Brown (Providence, EE. UU.).
Lars von Trier dedica Anticristo a Andréi Tarkovski, como agradecimiento por la influencia expresamente reconocida1 que El Espejo (Zerkalo. 1975) ha tenido en su nueva película. Y la oportunidad de la cita es absoluta: El Espejo constituye «la concreción definitiva de un tema capital para el director ruso, el retorno a sí mismo, el tortuoso camino que ha de recorrer el individuo para llegar a ese punto en que todo él se recobra como unidad».2 Anticristo aborda el mismo tema, y además funciona como reflejo del film de Tarkovski en tanto crítica del ecosistema sociohistórico en que tiene lugar ese retorno. Contra el que tiene lugar ese retorno.
En el caso de Tarkovski, el opaco régimen soviético, al que El Espejo oponía un anhelo esperanzado de transparencia, con lo que ello acarreaba en términos de sacrificio y ruptura. En el de von Trier, nuestro presente; el cineasta danés se identifica en los títulos de crédito iniciales con el máximo antagonista que haya tenido jamás el orden establecido, y a continuación nos brinda un prólogo que evoca formalmente sus primeros trabajos y lo publicitario —medio que von Trier ha frecuentado— para prestar un aliento irónico al paraíso laico, lúdico y líquido que habitan Ella (Charlotte Gainsbourg) y Él (Willem Dafoe). La escena se ve acompañada musicalmente por un aria de Rinaldo, ópera de Händel que cuenta una historia de amor y guerra ambientada en la Primera Cruzada cristiana, y que fue escrita originalmente para dos castrati; por tanto, su inclusión no tiene carácter ilustrativo, sino de comentario perverso sobre la ordalía que aguarda a los protagonistas. Su Edén artificial, en el que el dolor, la desesperación y el desconsuelo no tienen más valor moral que el decorativo, y en el que es imposible apreciar una proyección de futuro (¡cuántos niños muertos pueblan el cine de von Trier!), se desvela muy pronto una impostura que incitará a ambos a profundizar en el natural…
Sin embargo, como ya nos advertía hace unos meses Señales del Futuro (Knowing. Alex Proyas, 2009), quien está contaminado por los frutos del árbol del bien y del mal no podrá volver a probar los del árbol de la vida, los únicos que garantizan estar a salvo de «sufrimientos, plagas, tormentos y calamidades». ¿O sí? Von Trier fuerza la posibilidad, pero, “sumido en una profunda depresión”, y con la convicción de que “aun amando la existencia me resulta difícil creer que haya sido organizada por un Dios”, no tiene otra opción que hacer pasar a Ella y Él por el Infierno si quieren aspirar a un estado de comunión primigenia con la naturaleza. Algo que justifica su empleo de constantes genéricas propias del survival horror e incluso del torture porn, en sintonía con un caudal inagotable de cine contemporáneo sabedor de que «los dioses se tornan demonios una vez han decaído sus cultos»
Andrei Tarkovsky
A lo largo de cuatro capítulos cuya realización peca de arrítmica y arbitraria, contagiada del caos reinante en un escenario que revive las pinturas de El Bosco, Ella renunciará a su condición de libre y fatídica Lilith, adoptará la de Eva, y aceptará inmolarse para purgar su responsabilidad en el pecado original; Él se verá obligado a abandonar el discurso racional de las palabras, y a abrazar una inocencia primitiva que ha sobrepuesto al pensamiento los instintos. Y en el epílogo, volverán a florecer entre las ramas del árbol de la vida cuerpos desnudos de culpa, mientras infinitas mujeres sin atributos prometen al renacido Adán una eternidad, ahora sí, de placer, gozo y armonía.
El testamento del Dr. Mabuse es una pelicula de 1933 del director Fritz Lang. Es una secuela de dos trabajos anteriores, Dr. Mabuse, der Spieler (Dr. Mabuse: El gran jugador - 1922) y M (1931). Fue el segundo film sonoro de Lang y el segundo en presentar al Dr. Mabuse como villano.
Sinopsis
El inspector Lohmann recibe una llamada telefónica de Hoffmeister, un antiguo miembro del Departamento de Policía para denunciar un asunto de falsificación. Pero éste sufre un atentado que lo enloquece por completo antes de poder revelar los detalles, incapacitándole como testigo. Las investigaciones del inspector Lohmann en seguida le conducen hacia el famoso criminal Dr. Mabuse. Sin embargo, el Dr. Mabuse yace en una clínica psiquiátrica encerrado desde hace años... Se trata del asilo del Dr. Baum, un eminente psiquiatra fascinado por el genio del Dr. Mabuse y por el legado de éste: una especie de testamento donde detalla el camino a seguir para la institución del Imperio del Crimen.(Film Affinity)
Diez años después de su primera aparición, Lang recupera el fascinante personaje del doctor más perverso de la historia. Sin embargo, lejos de tratarse de una mera secuela, "El testamento del doctor Mabuse" es una asombrosa vuelta de tuerca a la idea original. Lo que en la primera película era la descripción de una simple mente criminal se convierte aquí en una visionaria e implacable crítica de las técnicas y fines del nazismo, así como en una soberbia disección de la megalomanía asesina del mismísimo Hitler. Por si fuera poco, la obra es de una modernidad tan apabullante a los ojos del espectador actual que parece imposible creer que sea de 1932: tan sólo algún resabio del cine mudo -especial y desgraciadamente evidentes en el caso de la protagonista femenina- nos lo recuerdan. Pero la minuciosidad con la que el inspector investiga el caso, el montaje en paralelo para acrecentar la tensión de la historia y el desenlace en forma de clímax de acción son las bases de todos los thrillers actuales, sin ir más lejos. Visualmente, por otra parte, es una película tan bella como eficaz.(Film Affinity)
Al finalizar su película El testamento del doctor Mabuse (1932) recibió la propuesta de Joseph Goebbels de hacerse cargo de la dirección de los estudios alemanes UFA, pero Lang era contrario a las ideas nazis, así que esa misma noche huyó hacia Francia, dejando casi todo lo que tenía y a su esposa Thea von Harbou, guionista de muchas de sus películas y más cercana a las ideas que dominaban Alemania en aquella época. En París rodó Liliom (1934), pero siguió hacia Hollywood ese mismo año, contratado por la Metro-Goldwyn-Mayer.
Michel Thomas (1958 –certificado de nacimiento– o 1956), conocido como Michel Houellebecq, es un poeta, novelista y ensayista francés. Sus novelas Las partículas elementales y Plataforma se convirtieron en hitos de la nueva narrativa francesa de finales del siglo XX y comienzos del XXI. Ambas le otorgaron cierta consideración literaria pero también dieron lugar al llamado «fenómeno Houellebecq», que provocó numerosos y apasionados debates en la prensa internacional. Reside desde hace algún tiempo en el Cabo de Gata (Almería, España). En su obra se aprecia el influjo de autores tales como el marqués de Sade, Howard-Phillips Lovecraft y Louis-Ferdinand Céline.
La novela está protagonizada por Michel, un funcionario del ministerio de cultura que lleva una vida apacible, acomodada y un tanto aburrida (rasgos recurrentes en los protagonistas de las obras de Houellebecq). Tras recibir una herencia por la muerte de su padre decide tomarse unas vacaciones y poner rumbo a Thailandia con el fin de hacer turismo sexual. Una vez alli conocerá a Valerie, una joven que trabaja para una gran agencia de viajes, que trastornará todo el mundo de Michel.
Algunos extractos
"Mi padre murió hace un año. No creo en esa teoría según la cual nos convertimos en verdaderos adultos cuando mueren nuestros padres; nadie llega a ser nunca un verdadero adulto.
Delante del ataúd del viejo, me vinieron a la cabeza ideas desagradables. El muy cabrón había disfrutado de la vida; se las había apañado de puta madre. «Tuviste críos, imbécil...», me dije con mucho ardor. «Metiste esa gran polla en el coño de mi madre.» En fin, yo estaba un poco tenso, no lo dudo; a uno no se le muere alguien de la familia todos los días. Me había negado a ver el cadáver. Tengo cuarenta años, y ya he visto algunos cadáveres; ahora prefiero evitarlo. Por eso nunca he comprado un animal doméstico."
«¡Tiraba de todos los demás!...», exclamó un ginecólogo. «Tenía diez años más que nosotros, y en una cuesta de dos kilómetros nos sacaba un minuto de ventaja.» Padre, padre, me dije yo, qué grande era tu vanidad. En el ángulo izquierdo de mi campo de visión veía un banco de ejercicios y unas pesas. Imaginé rápidamente a un cretino en pantalones cortos —con la cara arrugada, aunque por lo demás muy parecida a la mía— hinchando los pectorales con una energía sin esperanza."
"los bebes son monstruitos feos que cagan sin control y lanzan aullidos insoportables [...] son como animalitos, aunque con tendencias malignas" [pp.282-283].
2007 - Supervivencia, recopilación de poemas por Acuarela Libros.
Sus obras y opiniones, muy críticas con el pensamiento políticamente correcto y con los restos de mayo del 68, le pusieron en el punto de mira de algunos medios, que lo acusaron de misógino, decadente y reaccionario, lo cual sólo hizo que aumentaran su popularidad y sus ventas. Por si fueran pocos los reproches, debido a algún pasaje de Plataforma, donde aparece el tema del terrorismo islamista, se le sumó el de "islamófobo". Como no se puede denunciar a nadie por lo que opine un personaje de ficción, la oportunidad para sus detractores vino a raíz de una entrevista en la revista literaria Lire, publicada en septiembre de 2001, en las que afirmó que «la religión más idiota del mundo es el Islam» y que «cuando lees el Corán se te cae el alma a los pies». Fue entonces denunciado por varias agrupaciones islámicas y de derechos humanos por "injuria racial" e "incitación al odio religioso". El juicio, celebrado en París en octubre de 2002, dividió a la comunidad intelectual internacional entre defensores y detractores de la libertad de expresión, que recordó al caso Rushdie. Fue absuelto de todos los cargos: el juez argumentó en la sentencia que las críticas a la religión son perfectamente legítimas en un Estado laico. Adorado por sus incondicionales (Fernando Arrabal le considera el mejor escritor francés vivo) y denostado como pornógrafo, misógino y racista por sus variados oponentes (desde puritanos religiosos a notables izquierdistas), no por ello logran evitar que cada nuevo libro suyo cope los suplementos literarios, se venda por millones y se traduzca a numerosas lenguas.
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